Koji Kondo┬áfue el primer empleado deNintendo┬áque se dedicó a tiempo a completo a la composición musical. Es un dato interesante; uno de los primeros que se leen en┬áKoji Kondo's Super Mario Bros. Sountrack, el libro deAndrew Schartmann┬ápublicado en la colección33Ôàô. ┬½En la época de los primeros arcades (alrededor de 1971), el sonido en los juegos no se concebía como música┬╗, explica Schartmann. ┬½Tenía, en su lugar, una función puramente práctica, para atraer a nuevos clientes y ofrecer feedback a los jugadores┬╗.┬á

┬½Incluso hoy, la mayoría de juegos arcade incluyen algo conocido como modo de atracción: una ÔÇ£demostración no jugable que se ejecuta entre sesiones... diseñada específicamente para persuadir a los que pasan a que dejen su dineroÔÇØ┬╗, cuenta. ┬½En pocas palabras, el arte no era parte de la ecuación. Ni podía serlo┬╗.

En 1983, la industria del videojuego en Estados Unidos se derrumbó; aprovechando la caída de Atari, Nintendo se introdujo en Norteamérica siguiendo la filosofía de Hiroshi Yamauchi, histórico de la compañía: cuestionándose todo desde las raíces. La segunda mitad de los 80 fue una época dulce para Nintendo: con el espíritu de innovación de su época juguetera todavía flotando en el ambiente, consiguieron que su sello de calidad significara algo importante en los años inmediatamente posteriores al icónico caso de E.T., símbolo de la sobreabundancia de juegos desarrollados rápido y mal para un público que parecía poder absorber todo lo que le echaran.

El sello de calidad de Nintendo, digo, fue importante porque representaba una cierta ambición de cuidar los videojuegos más que los demás. ┬½En un duro contraste con los estándares de la industria, la compañía decidió contratar a alguien específicamente para componer la música de sus juegos┬╗, escribe Schartmann. Super Mario Bros. es el juego ideal para ilustrar ese momento clave en la historia de Nintendo, de las consolas y del videojuego en general.



El libro de Schartmann dedica casi 50 de sus 120 páginas al contexto en el que Koji Kondo compuso la banda sonora de Super Mario Bros. Es importante porque es también una justificación: la┬ácolección 33Ôàô┬áes conocida por sus ensayos sobre obras importantes de la música contemporánea. Tienen libros dedicados al┬áHarvest┬áde Neil Young; al┬áForever Changes┬áde Love; al┬áReign in Blood┬áde Slayer; al┬áDangerous┬áde Michael Jackson. En el prefacio de su libro, Schartmann cita a un crítico que, al recibir la noticia de que 33Ôàô iba a publicar un libro sobre la banda sonora de Super Mario Bros., escribía:

Algunos de los discos son clásicos absolutos, como Bitches Brew, de Miles Davis, pero, ¿querrías leer 140 páginas sobre la creación de Super Mario Bros.?

«Es mi responsabilidad», escribe Schartmann, «convenceros de que la banda sonora de Super Mario Bros. de Kondo es tan importante, y tan valiosa cultural y musicalmente, como cualquier gran disco del siglo veinte».

De ahí que se perciba como especialmente interesante la primera parte, la que va del 1-1 al 1-4 (los capítulos del libro están numerados, en un guiño al juego, siguiendo la fórmula de parte-capítulo), en la que se habla de cómo eran los videojuegos en la época en la que Nintendo le encargó a Koji Kondo la banda sonora del juego que tenía que servirles para convencer al mundo de que NES no tenía nada que ver con la estigmatizada Atari de 1983. Solo por esta parte merece la pena leer el libro: nos habla de una época irrepetible en la historia de los videojuegos en los que la calidad, la sorpresa y la innovación, a falta de otras herramientas (muchas de ellas consecuencia directa del mundo online), eran la principal preocupación de las grandes compañías.



La segunda mitad, la que examina al detalle las composiciones que forman el ÔÇ£discoÔÇØ Super Mario Bros., también ayuda a ver con claridad el valor musical de la obra de Kondo. El primer tema que se escucha el primer nivel, seguramente el más famoso de la historia de los videojuegos, es todavía hoy el preferido de Kondo, junto con el principal de The Legend of Zelda. ┬½Aunque aprecia la variedad de sonidos que ahora tiene disponibles, Kondo ve el avance tecnológico como una espada de doble filo: ÔÇ£La gente a veces piensa 'bueno, ahora tenemos todo esto', así que en vez de tener que crear algo realmente genial, dependen mucho de la tecnología, o de la instrumentaciónÔÇØ┬╗, transcribe Schartmann. En otros libros de 33Ôàô he leído historias de grandes músicos que se imponen limitaciones y trabajan a partir de ellas, como las constricciones de la Oulipo; la de Kondo es una historia sobre limitaciones impuestas y sobre cómo acabaron dando lugar a cosas totalmente nuevas: imposible no pensar en el chiptune o el pixel art.

┬½Como pianista clásico, compositor y teórico que trata principalmente con Haydn, Mozart y Beethoven┬╗, cuenta Schartmann en el prólogo, ┬½tardé algo de tiempo en darme cuenta de la excepcional creatividad que hay en la música de Koji Kondo┬╗. Nosotros quizá tenemos que hacer el camino inverso: nosotros, que ya le damos a Kondo la importancia que se merece, el libro de Andrew Shartmann nos cuenta los motivos por los que esos ruiditos que salían de la consola y que el mundo entero tiene clavados en la memoria son, además, una parte importante de la música popular contemporánea.

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